Waarom ‘What’s Opera, Doc?’ er zo uitziet

Super opera

De status van 'klassieker' was niet direct het doel van het team. In zekere zin was dit een gewone Bugs Bunny-productie. "What’s Opera, Doc? is een film waar veel Europeanen dol op zijn," zei Chuck Jones in de jaren '70. "Ze noemen het mijn 'meesterwerk', wat het wel of niet mag zijn; ik dacht er op dat moment niet bij na." [1]

Hij wist wel dat het project ambitieus was. Met kosten van $35.510 (vandaag de dag bijna $430.000) was het duurder dan de meeste Warner-tekenfilms. De productie duurde zeven weken, vergeleken met de standaard vijf weken. Om het extra werk mogelijk te maken, schraapten Jones en zijn team in het geheim een paar weken van andere, makkelijkere films af en vervalsten hun tijdkaarten. Dit was iets wat ze af en toe deden. (De mysterieuze prijsstijgingen maakten de managers boos, vertelde Jones, maar zij waren "niet erg slim" en kwamen niet achter het trucje.) [2]

Enkele unieke kenmerken van dit project waren de complexe partituur, die vooraf was opgenomen, en de bewegingen die waren bestudeerd naar aanleiding van balletsterren Tatiana Riabouchinska en David Lichine. Daarnaast tekende Jones "bijna 500" pose-schetsen (naast nog eens 1.500 ongebruikte ruwe schetsen) om zijn animatoren te sturen, terwijl de meeste films er 300 kregen. [3]

Deze elementen, samen met de stemacteurs, maakten de korte film speciaal. Maar Jones schreef het succes vooral toe aan één element en één persoon in het bijzonder: Maurice Noble, de ontwerper van de kleuren en layouts.

What’s Opera, Doc? is een film van "hoekige decors, gigantische schaduwen, snelle cuts, vreemde kleuren en dramatische camerahoeken," in de woorden van Charles Solomon. Elk shot vereiste de touch van Noble. "Zonder Maurice Noble, die ons allemaal enthousiasmeerde, bewoog en stimuleerde," schreef Jones, "had die film niet gemaakt kunnen worden." [4]

Maurice Noble was een van de beste cartoonontwerpers uit het midden van de vorige eeuw. Hij was echter geen lid of fan van UPA. "Ik geloof niet dat ik helemaal beïnvloed ben door UPA. ... Ik denk dat UPA zichzelf heeft overlist door te veel te ontwerpen," zei hij. De UPA-ontwerpers leken op hun beurt ook niet van hem te houden. [5]

Hoe dan ook, Noble gaf veel van de films van Jones in de jaren '50 een strakke, modernistische look. Hij beschouwde design als een vorm van storytelling en paste zijn stijl aan elk project aan. "Achtergrondontwerp draait volledig om het overbrengen van emotie en het ondersteunen van persoonlijkheid," zei Noble ooit. Zo vertelde hij aan Animato:

Ik ben een groot gelovige in het idee dat kleur en visuele impact veel te maken hebben met de reactie van het publiek. Ik zou inzetten op dramatische impact in zowel design als kleur, om een verhaalpunt over te brengen. Geen enkele achtergrond is goed tenzij deze passend is bij de gegeven situatie of de stemming van datgene wat wordt afgebeeld.

Dit functionele aspect van Nobles werk was iets waar Jones van hield en waar hij vaak vol lof over sprak:

Hij had geweldige staging-technieken, en hij begreep wat zeer weinig achtergrondtekenaars begrijpen — en eigenlijk lijken heel veel mensen uit de live-action wereld het in het grafische gebied niet te begrijpen: dat het doel van een geweldige ontwerper is om een arena te ontwerpen waar de acteur kan optreden. Of de animator kan optreden. En waar de actie tot zijn beste voordeel komt. Dat betekent niet dat je geen hoogwaardig design kunt hebben. Je herinnert je What’s Opera, Doc? — het geheel zou overvol zijn geweest, behalve dat het zo goed was ontworpen. [6]

In de Wagner-parodie van Jones was de Noble-methode essentieel. Deze keer "moest een groot deel van het verhaal in graphics worden verteld," zoals Jones het noemde.

Noble was niet de eerste ontwerper aan het project. Het begon met Ernie Nordli, die What’s Opera, Doc? een theatrale behandeling gaf met een prosceniumboog. Toen Noble het overnam, schrapte hij die richting ten gunste van "super-grand opera" met "super, kolossale decors", overdreven genoeg om het medium te parodiëren. [7]

Werkend vanuit storyboards van schrijver Mike Maltese, schetste Jones de shots ruwweg via karakter-layouts. Uiteindelijk zou de film meer dan honderd shots bevatten in ongeveer zes minuten — wederom meer dan de norm. [8]

Noble blonk uit in achtergronden, terwijl Jones de sterkere kunstenaar was in het tekenen van figuren. Ze hadden een collaboratieve opzet waarbij ze ideeën heen en weer stuurden. "Maurice traceerde alle karaktertekeningen op één vel papier, en speelde vervolgens met de open ruimtes om de achtergrond te ontwerpen," schreef Jones.

Jones bouwde daar vervolgens op voort. Zoals Noble zei: "Ik ontwierp materiaal en gaf het terug aan hem, en hij weefde het terug in het verhaal omdat het hem juist raakte." [9]

Noble had gewerkt aan Disney's Fantasia — en What’s Opera, Doc? was een soort "satire op Fantasia", in de woorden van Jones. Daarom baseerde Noble zich op hetzelfde landhuis van Kimberly Crest waar hij naar had verwezen in de Disney-productie. Ook voerde hij het idee van Jones uit voor een Night on Bald Mountain-grap aan het begin:

Ik weet dat hij aan het begin zo'n grote schaduw wilde hebben. Dus maakte ik een schets, en ik plaatste het kleine karaktertje ervoor, om deze gigantische schaal te geven. Daarna ging ik naar de roze rozen en het Griekse liefdesslot ... ik dacht nu in termen van dramatische layout en staging voor elk gedeelte van de film naarmate deze vorderde. Het werd theatraal; het was geen realiteit.

Noble koos voor een experimentele route. Dat gold ook voor sommige kleuren: een rode Elmer Fudd tegen een paarse lucht, tussen andere onnatuurlijke keuzes. Terwijl het werk vorderde, kwam Friz Freleng langs in het kantoor van Noble en zag de concepten. "[Hij] mompelde: 'Wat ter hel!' en vertrok toen gewoon," herinnerde Noble zich. [10]

Freleng was niet de enige die in de war was. "Ik kreeg telefoontjes van de inkt- en schilderafdeling die zeiden: 'Je bedoelt toch niet dat je dit personage helemaal rood gaat schilderen?' of zoiets," legde Noble uit. "Ik zei: 'Ja, dat is hoe we het willen.' En Chuck steunde me daarin."

Nogmaals: What’s Opera, Doc? was geen gigantisch project en was niet bedoeld om animatie te veranderen. Het team maakte elk jaar veel cartoons; dit was er een van. Binnen dat kader was Noble echter aan het experimenteren, waarbij hij deze satire wilde overbrengen via "ultra-dramatische" keuzes. "Het geheel werd steeds groter en groter," zei hij. [11]

Een van de vele experimenten van Noble was het spotlight-effect in de latere scènes, waarbij de randen van het scherm blauw worden. Noble vertelt hierover:

Ik ponste op een dag een gat in een stuk blauw celluloid, en ik experimenteerde met dit spul, en ik zag dat dit een spotlight maakte. Ik bracht het naar de cameraman en zei: "Waarom kunnen we niet iets als dit doen?" Ik discussieerde met hem en ik kreeg hem zover dat hij het onder de lens probeerde, en we maakten er een spotlight van [met een dubbele belichting]. ... Ik probeerde altijd iets, en soms ging hetst terugvuren. Dat is wat de baan al die jaren interessant hield.

Wanneer dit werd gecombineerd met Nobles gebruikelijke technieken (zoals wat hij zijn "ritmische" composities van "kleur- enruimteverhoudingen, en accenten in patronen van vormen" noemde), kwam What’s Opera, Doc? er bijzonder uit.

Toen het team de uiteindelijke film in de studio zag, waren ze onder de indruk. Kunstenaar Willie Ito herinnerde zich: "We bewonderden wat voor unieke prestatie dat was." Het mei-nummer uit 1957 van het interne tijdschrift van Warner merkte op dat deze "zeer rijk ogende film" met "zeer ongebruikelijke" achtergronden en kleuren "zeer goed werd ontvangen" door de crew. [12]

Toch was What’s Opera, Doc? in het algemeen geen groot ding. Het was gewoon weer een Bugs Bunny-cartoon. Hoewel de film werd ingediend voor een Oscar, werd hij niet genomineerd. [13] De pers zei er niet veel over. Toch wees een van de weinige recensies, in Motion Picture Exhibitor, op een toekomstige herwaardering:

Dit ligt ver boven de gebruikelijke reeks animatiefilms en zou, geloof het of niet, speciale gunst moeten vinden in art-house cinema's. [14]

Volgens historicus Jerry Beck kreeg de film een tweede leven op televisie. What’s Opera, Doc? verscheen aan het einde van het gouden tijdperk van theatrale korte animatiefilms, maar kon voor altijd worden herhaald op tv — wat bij veel oudere cartoons gebeurde. Wanneer de Warner-films naast elkaar werden gezien en beoordeeld, zei Beck dat deze film er duidelijk uitsprong. Het had iets extra's, iets anders.

Ook voor de makers viel het op. "Ik heb die cartoon altijd geliefd," merkte Noble op. Jones noemde het later "waarschijnlijk onze meest uitgebreide en bevredigende productie." [15] Stilistisch gezien was de film een grote gok die uitbetaalde. Noble was de eerste die toegaf dat sommige van zijn andere gokken gedurende zijn carrière dat niet hadden gedaan. Zoals hij zei:

Soms faal je wanneer je experimenteert. Sommige gewaagde ideeën werken misschien niet zoals je dacht. Maar dat is oké! Dat is de aard van het werken op de rand van spannend design. Je zult nooit iets interessants doen als je geen risico's neemt.

Nieuwsberichten

• We verloren Tim Curry (80) en Peter Cullen (85), twee belangrijke stemacteurs in animatie.
• Coyote vs. Acme debuteerde op de tweede plaats in de Amerikaanse box office, met $15,4 miljoen aan omzet en een CinemaScore-publieksbeoordeling van A.
• Het aanstaande boek Nizo Yamamoto: Art for Animation verzamelt het werk van de grote Japanse achtergrondkunstenaar. Het is het eerste Engelstalige boek over hem, uitgebracht door de makers van Anime Architecture.
• In Amerika is de studio van Phil Tippett onlangs gesloten met een enorme veiling, na bijna 40 jaar in bedrijf te zijn geweest.
• De Palestijnse rap groep BLTNM is een animatieserie gestart op YouTube, geproduceerd door studio Stereo.
• Een film van Oekraïense regisseur Volodymyr Dakhno, bekend van de Cossacks-serie, is gerestaureerd en zal volgende maand worden vertoond op het Linoleum-festival.
• In Amerika onthulde Amid Amidi details over zijn enorme, zwaar geïllustreerde Ward Kimball-biografie, die bijna voltooid is en volgend jaar op Kickstarter verschijnt.
• In Japan onderzoekt Toyo Keizai de realiteit dat late-night anime nu hoofdzakelijk is afgestemd op de smaak van buitenlandse landen, vooral die in Noord-Amerika, waar het meeste geld in de industrie wordt verdiend.
• Een uitgebreide behind-the-scenes video over de Japanse serie Jaadugar staat op YouTube.
• In Rusland is er een grote ophef ontstaan over een politieoptreden tegen de tekeningen van een meisje op een speelplaats van personages uit KikoRiki, een animatieserie. Het bedrijf achter KikoRiki reageerde door haar uit te nodigen voor een studiobezoek.
• Tot slot: een blik in The Good Soldier Švejk (1954–1955) door Jiří Trnka.

Laatste woord

John: Het verlies van Curry en Cullen, en het einde van de studio van Phil Tippett, waren zware koppen om deze week te lezen. Dit zijn allemaal grote nalatenschappen, en ik vraag me af over de toekomst. Een vriend stuurde me een bericht dat Tim Curry een van die onvervangbare mensen was, een type dat tegenwoordig niet eens meer wordt gemaakt. Ik denk na over het pad dat hij bewandelde en of de infrastructuur nu bestaat voor mensen om te doen wat hij deed. De meesters worden ouder, en wij in de jongere generaties zijn aan de beurt. Zelfs als ze onmogelijk te volgen zijn, zijn we hen verschuldigd dat we het op een bepaalde manier proberen.

Jules: De controle en diepgang van de stemprestaties van Curry zijn dingen die ik associeer met acteurs uit zijn generatie, van wie velen een opleiding en ervaring hadden in het live theater. Zo veel dingen dragen bij aan de vorming van kunstenaars: de tradities waarin ze zijn opgeleid, de heersende smaak en artistieke theorieën van het moment, de economische prikkels om hen heen, de projecten waarop ze konden werken, de andere kunstenaars die ze toevallig ontmoetten. Net zoals Hayao Miyazaki zwaar werd gevormd door zijn collega's, of dat nu in zijn vroege jaren bij de Toei-vakbond was of tijdens zijn tv-werk met Takahata. Soms kan het voelen alsof kunstenaars in vorige tijdperken profiteerden van omstandigheden die allang zijn veranderd. Welke omstandigheden we ons vandaag de dag ook bevinden, ik geloof dat serieuze discussie, studie, analyse en samenwerking een lange weg kunnen afleggen in het helpen bijbenen.

***

Bronnen en voetnoten:

1. Uit Funnyworld (voorjaar 1971).
2. Details uit Bugs Bunny: Fifty Years and Only One Grey Hare, Of Mice and Magic en Chuck Reducks.
3. Zie Hollywood Cartoons en de documentaire Wagnerian Wabbit.
4. Citaten uit Enchanted Drawings: The History of Animation en The Noble Approach.
5. Zie Animato (voorjaar 1991) en Cartoon Modern.
6. Uit Chuck Jones Conversations.
7. Zie Tunes for ‘Toons en Stepping into the Picture.
8. Het exacte aantal shots wordt vermeld als 106 in The 50 Greatest Cartoons.
9. Zie het interview met Noble in Walt’s People (Vol. 25).
10. Zie Cartoon Research en That’s All Folks: The Art of Warner Bros. Animation.
11. Uit Film Comment (januari-februari 1975).
12. Zie Cartoon Research.
13. Voor details over de Oscar-problemen, zie Cartoon Research.
14. Uit Motion Picture Exhibitor (21 augustus 1957).
15. De uitspraak van Jones komt uit het boek Chuck Amuck.